Les Artistes et Architectes exposés à Château La Coste en Provence

La simplicité et le minimalisme de Gate, invitent les visiteurs à apprecier les spécificités des murs en béton, dont la paroi lisse est rythmée par des trous, marques de coffrage, laissées volontairement apparentes.

Tadao Ando et Château La Coste avait un projet commun, celui de lier la culture artistique à la culture du terroir. Le béton, le verre et l'eau permettent de créer divers espaces, angles et ouvertures sur la nature provençale.

Cet espace au point culminant du parcours abrite une chapelle datant du XVIe siècle. L'édifice était en ruine lorsque Tadao Ando vint pour la première fois au Château La Coste. Il fut séduit par l'idée de lui donner une seconde vie.

Ce pavillon aux influences japonaises en épicéa goudronné, a été construit en 2011 par Tadao Ando en vue d'accueillir Four Cubes to Contemplate Our Environnement. L'artiste invite à la reflexion et à une mise en garde sur l'avenir de notre planète.

Tadao Ando souligne l'importance de la lumière dans l'architecture, dont les matériaux et les formes sont les plus grands outils. Les bancs offrent indéniablement un espace de contemplation du paysage. Leur emplacement a été choisi pour la vue.

L'Araignée de Louise Bourgeois s'inspire de la figure de sa mère, réparatrice de tapisseries, et de la notion de protection: "L'araignée est une ode à ma mère. C'était ma meilleure amie. Les araignées nous aident et nous protègent, comme ma mère pouvait le faire".

Les mobiles d'Alexandre Calder sont animés d'un mouvement généré par des moteurs puis bougent grâce à leur propre équilibre et grâce au vent. Small Crinkly a été placé au centre du bassin dont les légères ondulations dialoguent avec les mouvements des panneaux d'acier.

Sophie Calle a imaginé une sépulture prenant place au coeur des bois. Sur la pierre tombale est inscrit : "ici, reposent les secrets des promeneurs". L'artiste invite les visiteurs à déposer leurs secrets dans cette dernière et transforme la tombe en un confessionnal.

Rail Car - une installation immersive de wagons de marchandises en fer forgé posé sur des voies ferrées - reprend les motifs proéminents de l’art de Dylan, tout en faisant référence à certains aspects de son passé.

Tracey Emin a imaginé une plateforme en acier précédée d'un chemin étroit. Au centre de cette plateforme se trouve une barrique de vin, que l'artiste a récupéré sur le domaine, dans laquelle est placé un chat en porcelaine.

Le projet du Pavillon de musique fut élaboré par l'architecte Frank O. Gehry. Cette structure spéctaculaire est composée de grandes planches de bois et d'un réseau complexe de panneaux en verre superposés, spécialement étudié pour l'accoustique.

Créée entre 1966 et 1968, The Marriage of Athens and New York s'inspire à la fois des grattes ciels new-yorkais et des temples grecs antiques. Frank Gehry et Tony Berlant ont réalisé ces trois stuctures abstraites en inox et fibre de verre. 

Multiplied Resistance Screened réalisée par Liam Gillick, se situe à la frontière entre architecture et sculpture. Cette sculpture interactive permet aux visiteurs de bouger les différents panneaux et de se déplacer au sein de l'espace.

Oak Room réalisée par Andy Goldsworthy, s'intègre dans une ancienne restanque et est composée de rondins de chênes. L'artiste les a entrelacés de façon à obtenir une forme circulaire. À mesure que l'oeuvre s'élève, les troncs sont remplacés par des branches, puis par des brindilles. 

Guggi a créé pour le domaine l'oeuvre Calix Meus Inebrians, représentant un calice faisant référence au domaine viticole et à ses traditions ancestrales. L'oeuvre réalisée en bronze sacralise la forme du bol et se réfère aux écrits bibliques. 

Siobhan Hapaska est une artiste dont les oeuvres sculpturales traitent des rapports que nous entretenons avec des objets du quotidien. Intifida évoque une certaine détection de résistance et défend la nécessité de s'exprimer et résister aux pouvoirs oppressants. 

Jenny Holzer, utilise au Château La Coste les bancs comme média. Composés de phrases gravées dans le marbre, ils incitent à la lecture ainsi qu'à la remise en question des phrases qui y sont inscrites puisqu'on peut finalement s'asseoir dessus. 

Entre art et architecture, Brick Labyrinth réalisée par Per Kirkeby reprend un élément clé d'un labyrinthe dans sa forme la plus simple : elle ne mène nulle part, comme un labyrinthe, elle n'a ni fonction, ni but. Cette structure est faite de 24 000 briques faites à la main. 

Les réalisations se Kengo Kuma se caractérisent par la superposition des matériaux, une esthétique issue de la culture japonaise et une volonté d'organiser l'espace, tout en accordant une place primordiale à la nature. 

Meditation Bell réalisée par Paul Matisse est une structure sobre derrière laquelle se cachent des mécanismes complexes. Une corde permet d'actionner 4 lourds marteaux qui frappent la cloche, réglés pour que peu de force puisse les actionner et faire résonner le son pendant plusieurs minutes.

Wild Time Flowers réalisée par Tatsuo Miyajima nécessite 150 LEDs dispersées de part et d'autre du chemin emprunté par les visiteurs. Des comptes apparaissent sur chacune des LEDs, de 1 à 9, représentant le voyage de la vie à la mort. 

Larry Neufeld a réalisé deux ponts offrant plus que des structures fonctionnelles : leur valeur esthétique est aussi importante pour l'artiste que leur capacité à transporter les visiteurs d'un endroit à un autre. 

Le Pavillon d'Oscar Niemeyer est pensé pour accueillir des expositions et des évènements privés. Son volume, sous forme de virgule, se déploie de manière libre et apparemment simple, comme une onde dont l'épicentre serait ce cercle parfait. 

Richard Long a réalisé Circle of Riverstones, un cercle de 12,4 mètres composé de blocs de pierre extraits de la rivière de la Durance. La pratique de l'artiste fait souvent intervenir des formes géométriques simples telles que des lignes, des spirales ou des cercles. 

Jean Nouvel a réalisé pour Château La Coste, les Chais de vignification. Les deux parties hors sol, hautes de 10 mètres sont réalisées en tôles d'acier ondulées. Elles accueillent depuis leur création, les récoltes, la maturation du raisin et l'embouteillage.

Yoko Ono, artiste expérimentale Japonaise, a eu l'idée de créer Wich Trees dès 1981. Cette oeuvre interactive invite les visiteurs à écrire leurs souhaits personnels de paix et à les attacher à une branche d'arbre. 

La Grande Croix Rouge réalisée par Jean-Michel Othoniel est faite de verre de Murano, matériau devenu la signature de l'artiste. L'aspect lisse du verre coloré s'allie à une simplicité formelle et dialogue avec l'architecture minimale de la chapelle de Tadao Ando. 

Profitant de la topographie naturelle du terrain, Renzo Piano a choisi de creuser à 6 mètres de profondeur, afin d'inclure sa construction dans le vignoble. Le toit est recouvert d'une voile arrimant à des arches métalliques reprennant le rythme graphique tracé par les plans de vignes.

Au milieu du vignoble, La Galerie de Richard Rogers est un espace blanc de 120 m², situé en porte-à-faux d'une colline au milieu des arbres. Elle prend lieu au dessus d'une ancienne via romaine et est tournée vers les ruines de La Quille et le Parc National du Luberon. 

Wall Of Light Cubed réalisée par Sean Scully est composée de plus de 1000 tonnes de pierres calcaires grises, rouges et bleues, extraites d'une carrière située au Portugal. Cette oeuvre est observable depuis plusieurs point de vue et s'impose visuellement au milieu des vignes. 

D'une hauteur de plus de 3 mètres et d'une longeur de 15 mètres, la composition et l'emplacement de Boxes Full Of Air permettent d'avoir différentes perspectives et angles de vue. Elle permet aux ombres et à la lumière de traverser son cadre ouvert et de modifier visuellement son apsect. 

Les plaques métalliques, de Aix réalisée par Richard Serra, sont constituées d'un alliage de fer, de cuivre et de zinc et sont disposées dans la colline sur trois niveaux. Cette disposition semble induire que les murs ont surgi de terre et qu'ils ont poussé au milieu de la végétaiton. 

La sculpture Drop de Tom Shannon de 4 mètres de diamètre, faite en acier inoxydable, doit son nom à l'impression de fluidité et de légèreté lorsqu'elle est activée. Les oscillations sont rendues mystérieuses par le pied quasiment invisible ainsi que par la trajectoire désaxée de l'installation. 

Conrad Shawcross, artiste britannique, explore des sujets qui se situent aux confins de la physique et de la métaphysique. Schism explore le potentiel géométrique, philosophique, et même politique particulier du tétraèdre. 

Engagé dans la défense de la cause animal, Michael Stipe est le seul artiste du domaine à représenter la faune avec son oeuvre Foxes. Les moulages bien qu'ils semblent identiques, laissent apparaître quelques différences pointant l'idée d'hétérogénéité de la nature, aléatoire et imparfaite. 

Le titre de l'oeuvre se réfère à une formule mathématique créant une courbe exponetielle, reflétant le concept abstrait de l'infini. L'oeuvre complimente la géométrie de l'architecture de Tadao Ando, sa surface polie faisant écho aux reflets du bassin et des baies vitrées. 

Silver Room créée par Tia-Thuy Nguyen est inspirée d'une maison traditionnelle vietnamienne, composée de bois et de bambous. Au centre de cette maison, le visiteur trouvera une pièce couverte de feuilles d'argent, dans laquelle l'artiste a placé un Bouddha en cristal. 

Tunga a choisi pour son oeuvre Psicopomposde travailler le fer forgé pour les balances et la pierre de Rognes pour l'architecture. Pour les contrepoids, il choisit des matériaux différents : du quartz d'Amazonie, un prisme de verre de République Tchèque, et des aimants de Chine. 

House of Air de l'artiste Lee Ufan se trouve au bout d'un chemin discret, derrière les vignes de Grenache. Elle est constituée d'un monolithe, large pierre du domaine, et d'une peinture directement appliquée sur les graviers, dessinant une ombre qui n'existe pas. 

L'oeuvre Faux-Pas de Franz West se découvre en dehors du chemin pricipal. Ce totem phallique d'un jaune vif se place dans la lignée des oeuvres de l'artiste, adepte de l'humour et de la légèreté. Les arbres qui l'entourent accentuent la verticalité de la sculpture. 

Les pavés utilisés pour Ruyi Path de Ai Weiwei proviennent du Port Autonome de Marseille et renvoient à une histoire locale : en utilisant les pierre de ce port, porte d'entrée majeure de l'Europe, l'artiste évoque la crise actuelle des réfugiés.